“远离巴黎沙龙，香奈儿女士在比亚利兹发现了别样的生活与观察方式，以及关于行动与自由的全新维度。她将这一切确立为其时尚的基座。这是一片崇尚功能性又富于畅想的平衡之地。在艺术家、工人、贵族、水手以及自然万物之间，每个人、每件事物都同享一个舞台，共处成为常态，各有其角色。”—— Matthieu Blazy 当五月的海风掠过比斯开湾，CHANEL 2027早春度假系列在法国西南部海滨小城比亚利兹拉开帷幕。这里不是一场寻常的时装发布，而是一次跨越111年的“回家”。 1915年，第一次世界大战的烽火仍笼罩欧洲，嘉柏丽尔·香奈儿却在这片自由的海岸找到了缝隙，开设了她的第一间高定时装屋。 彼时巴黎的沙龙仍被僵化的传统所束缚，而比亚利兹的水手、艺术家与欧洲贵族们早已在这片土地上自由往来。香奈儿女士在这里发布了她的首个系列，将针织面料、亚麻布、海军条纹与后来的“小黑裙”带入高级时装的世界，一举改写了时尚的既有秩序。111年后，新任精品部创意总监Matthieu Blazy带着他的首个早春度假系列回到了这里。 比亚利兹远离欧洲宫廷的繁文缛节与巴黎的潮流中心，呈现出一种不受陈规束缚的自在优雅。正是在这里，嘉柏丽尔·香奈儿帮助女性从沙龙式的传统生活中走出，迈向大海、沙滩、阳光与风的户外天地——这一环境要求服装兼具实用性与行动的自由。 CHANEL精品部创意总监Matthieu Blazy的首个早春度假系列，向巴斯克海岸深情致意。人鱼的意象被诠释得更加具体而生动——它既是预告短片中新浪潮镜头下真实存在的女性本体，构思精妙，又带着一丝玩味的轻盈。一种全新的香奈儿风格叙事，正悄然成形。 从飘动的真丝围巾套装，到沙沙作响的酒椰纤维半裙，再到水洗棉帆布套装，系列作品尽显灵动之美。衣着更迭的愉悦感，连同不可或缺的泳装款式，为本系列定下基调。 除了比亚利兹这一极具历史意义的地标，Matthieu Blazy还抓住了香奈儿女士于1926年推出的“小黑裙”作为另一条深潜历史的线索。它是对1926年香奈儿“小黑裙”经典的深情凝视，那个让上流贵妇渴望穿上当代女工衣着的反叛时刻。有趣的是，原始版本中出现在背后的大蝴蝶结，被他巧妙地转化为一款皮革手拿包，一场横跨百年的对话就此展开。 整个系列如同一场关于面料与想象的狂欢。Blazy对CHANEL标志性的斜纹软呢进行了大胆的“轻化”处理，使其具有夏日针织衫般的轻盈质感。看似水洗棉的浅蓝色套装，近看竟由数千颗微型珠片组成，“休闲奢华”在此被推向了极致。 他有意采用直线条管状剪裁，模糊胸部与腰部的曲线，让女性身体不再受束缚，还几乎完美复刻了早期海滨度假时的针织泳帽。 双C标志是另一条贯穿系列的线索，但它并非品牌视觉标识的简单罗列，而是融入了服装的结构肌理。自1930年代以先锋姿态问世以来，双C标志那条优雅的弧线，既是嘉柏丽尔·香奈儿鲜明的签名印记，也承载着她在服装设计上的时尚宣言与自传色彩。如今，它等待穿着者去书写属于自己的故事。 配饰作品强化了旅行的概念，跨越实用与趣味，款式丰富多样，从精巧的手提箱到大容量的旅行袋，从防水口盖包到超大条纹沙滩篮，甚至包括一款板式网球拍包。鞋履则在沙龙和海滩之间自如切换，从优雅的装饰艺术风格高跟鞋，到裸足般的“鞋跟套(heel caps)”，轻松应对各种场合。 当压轴的两件美人鱼礼服，随模特微湿的发丝缓缓走过，Blazy用这一季证明，他没有试图用怀旧包装历史，而是在海浪声中，找到了跨越百年的生活哲学。 克里斯汀·迪奥深知，“梦想”之于战后的人们何其珍贵，是心灵的慰藉与庇护。他于高级订制时装中探寻这一主题，他的超现实主义艺术家好友亦痴迷于梦境，而好莱坞更被誉为“梦工厂”。这一切，同属于一场跨越文化的美学变迁。 夕阳沉落于好莱坞群山之间，不远处的威尔希尔大道，车流缓缓驶入洛杉矶郡艺术博物馆(Los Angeles County Museum of Art)入口。街灯次第亮起，投下老电影里才有的暧昧光影，这里不像一场时装秀的入口，更像一处被精心布置的片场。而Dior 2027早春系列，即将在这里“开机”。 这是Jonathan Anderson执掌Dior以来打造的首个早春度假系列，也是品牌首次在早春系列中完整纳入男装叙事。大秀选在“魔法时刻”(Magic Hour)开场，当第一缕夜色与最后一寸日光交织，Dior与好莱坞跨越近八十年的对话，在这一刻被重新唤醒。 要理解这一季，需要将时间拨回1949年。彼时，德国传奇女星玛莲娜·迪特里茜正在与导演阿尔弗雷德·希区柯克僵持。她接下《欲海惊魂》(Stage Fright)中蛇蝎美人Charlotte Inwood的角色，但条件只有一个，她表示：唯有身着迪奥登上银幕，才能让片中饰演的魅惑人物夏洛特·英伍德(Charlotte Inwood)尽显璀璨风华。她掷地有声地说出那句日后载入时尚史的名言——“No Dior, No Dietrich”。最终，Dior为她设计了那件标志性的花卉裙与灰色大衣，也由此将高级订制与好莱坞银幕文化紧紧缝合。Jonathan Anderson将这段往事作为整个系列的起点。 花卉始终是Dior最核心的设计语言，而这一季，Anderson让花朵从印花中“生长”出来，变成可触可感的立体形态。开场的三件连衣裙近乎相同，以不同层次的薄纱呈现，立体的花苞随模特的步伐轻轻摇曳，仿佛刚从田野摘下便缀上裙摆。 Christian Dior有个延续多年的习惯：他总在系列进行到一半时刻意加入一条红色礼服，只为让秀场上的宾客“醒过来”，Anderson重现了这一巧思，戏剧张力顷刻拉满。 当女装叙事进行到中段，男装登场。模特们，头戴着品牌与爱尔兰制帽师合作的头饰（制帽师Philip Treacy曾与Lee Alexander McQueen合作，还为传奇编辑Isabella Blow定制了一款“BLOW”头饰）步入秀场。 男装系列的另一亮点，是与洛杉矶当代艺术先驱Ed Ruscha的合作衬衫。Anderson说：“当我想到洛杉矶，我就会想到Ruscha，他的作品对‘日常性’有一种迷人的观看方式。” 至于定义了New Look轮廓的Bar Jacket，Anderson将其拉回更贴近日常的比例，深浅交错的条纹如百叶窗投射的光影，这是对黑色电影视觉语言的直接挪用，冷峻而富有叙事性。 Anderson用一个系列完成了Dior与好莱坞近八十年的对话续写。他没有复刻黄金年代的轮廓，也没有复刻Galliano时期的戏剧感，而是打开档案库，将那些属于电影、属于梦境的原件，重新翻译成当下仍然成立的语言。从巴黎到洛杉矶，从迪奥先生到Anderson——Dior缔造的，从来不只是银幕上的浮华幻梦，而是每一个时代里，人们对美最绮丽的想象。 Gucci新任创意总监Demna做出了一个让整个时尚界屏息的决定，他将秀场搬到了“世界的十字路口”，从百老汇46街到48街之间的整片区域被包下，四周林立的巨型LED屏幕同时亮起，轮番播放着Gucci的广告与直播画面，变成真实发生在曼哈顿中城的魔幻奇观，在这个全球最喧嚣的十字路口，Gucci以一场大秀宣告了自己的回归。 为何偏偏是纽约？答案藏在品牌七十余年的历史里。1953年，Gucci在纽约第五大道开设了意大利本土以外的第一家海外专门店，正式开启全球化征程。到了1980年代，更诞生了神秘的“Gucci Galleria”，一处隐匿于旗舰店上方的私密空间，仅对持有特制金色钥匙的顶级VVIP开放。 Demna从来不是一个甘于安静的创作者。他曾以Balenciaga创意总监的身份重新定义了“街头奢侈”，如今他将这套方法论带入了Gucci。“GucciCore”是他“人物研究”系列方法论的第四章，汇聚了前几季的美学语言，最终凝练为一个完整的核心衣橱。他想要呈现的，是纽约街头的众生百态：从麦迪逊大道到布鲁克林，从苏活区到哈林区——身穿细条纹西装的金融人士与商界精英，披着剪羊毛大衣的午餐名媛，穿着宽松剪裁与丹宁的滑板青年，以及优雅端庄的社交名流，他们在同一个时空中擦肩而过。 每一套Look的角色设定不言而喻，他们穿着各自的“日常服”在城市中穿梭，或许我们也能在这系列中找到自己的模样。材质的张力与对比贯穿始终：诞生于1950年代的经典绿红绿织带，被转化为男士的抹胸上衣；马衔炼则变身靴款上的马镫装饰，搭配金属鞋尖的高跟鞋。剪裁精准的大衣、经典风衣、利落的商务西装与铅笔裙，在此与低腰牛仔裤、超短剪裁的街头风格交织碰撞。而高级订制的语汇则通过鳄鱼鳞片般的亮片、珠饰流苏与羽毛刺绣延展至男装，彰显珍稀感。 而争议，从来都是Demna美学的一部分。有评论认为，比起包下时代广场的震撼宣传，服装本身略显平淡；也有人尖锐指出，那些包裹身体的皮革绷带造型用力过猛。但正如Demna自己所言：“为了呈现真实的纽约感，我选择那些在街头可能遇到的普通人身上展示作品——每个人都有自己的穿衣方式，风格多元而交汇。” 从第五大道到时代广场，从金色钥匙到皮革绷带，Gucci的这一夜属于霓虹灯下的纽约，也属于Demna手中那个正在被重新书写的Gucci。它或许不安静，不优雅，但它足够真实。 在Louis Vuitton的时尚宇宙里，建筑从不甘于做秀场的沉默背景。它是与服装深度对话的艺术本体。这份感知力，要归功于品牌女装艺术总监Nicolas Ghesquière刻在DNA里的建筑迷恋：他总能用时装设计师的敏锐，去拆解、重塑一座空间的叙事可能。翻开Louis Vuitton度假系列的年鉴，便是一部当代建筑史的诗意注脚，每一次选址，都是一次对建筑艺术的深情致意。 1989年，18岁的Nicolas Ghesquière第一次踏足纽约。和所有初来者一样，这座城市狠狠击中了他。这仅仅是他第二次在纽约举办Louis Vuitton时装秀，第一次要追溯到2019年，选址于Eero Saarinen设计的肯尼迪机场环球航空航站楼，那是一次关于速度与飞翔的宣言。而这一次，他把秀场藏进了弗里克收藏馆的展厅之间。 这座1914年落成的宅邸，原本是亨利·克雷·弗里克的私人住所。这位靠焦炭与铁路堆起镀金时代庞大家产的实业家，用财富买下了欧洲半部艺术史：弗拉戈纳尔、维米尔、伦勃朗、贝利尼……如今，画作依旧挂在墙上，而模特第一次在它们之间穿行。Louis Vuitton是首个在这座博物馆办秀的品牌，同时宣布与弗里克收藏馆达成三年赞助合作，支持其公共艺术项目，时尚与艺术，再次隔空相望，又终于贴身相拥。 这场大秀是Nicolas Ghesquière上任以来的第12个早春系列，也是品牌时隔七年重返纽约的重要时刻。它联结巴黎与纽约两个截然不同的城市身份与现实，也联结那座城市中万千城邦的对话与对峙。上城的辉煌、老钱，下城随性街头。而这正是纽约——从不单一，而是一种汇聚。冲突即魅力，各异即臻美。这便是致敬的奢华所在。 新装系列对“兼具交错感知与并行态度”做出了巧妙诠释。Nicolas Ghesquière在本季继续挥洒他标志性的设计语汇：凌厉的廓形外套宛如移动的雕塑；不同材质的碰撞，如同一场戏剧舞台上的精彩对白；从装饰性的古典角色，到波普艺术的随性笔触。蓝色牛仔、平纹针织、皮革……美式风格的传统底蕴在此被重新解码、组装，然后毫不犹豫地放入同一个空间。而纽约之所以为纽约，正因为它本身就是这种交错感知与并行态度的载体——这也正是Louis Vuitton 2027早春女士系列的核心：古典巨匠与波普艺术、旧世界与新天地，两种语法，共享一种声音。 这场秀的灵魂与化身，来自已故纽约街头艺术家Keith Haring。一切始于品牌档案馆中发现的一只1930年代古董硬箱——Haring曾于1984年用马克笔在上面画下他标志性的“爬行婴儿”和“跳舞小人”。这个箱子，成为整个系列的原点。Haring那些彩色小人、跳跃的几何线条、鲜活的橙粉绿色，大量涌上服装、Speedy手袋、运动鞋。 老虎机、汽车底盘、拳击手套，以及对镀金时代宏大底蕴的回响，全部被赋予全新语境，融入服装肌理。包袋以外卖盒、可乐罐、黑胶唱片为灵感重塑，它们不只是配饰，更像从下城街头直接捡回来的符号，变成一段段属于纽约的记忆。 Nicolas Ghesquière用一个系列，完成了古典艺术与街头文化、法国工艺与美国能量、镀金时代的优雅与Haring式反叛之间的多重缝合。这不仅是一场时装发布，更像一封写在布料与皮革上、递给纽约的情书。 CHANEL在海边找回自由，DIOR在片场重造梦境，LV用涂鸦缝合双城，GUCCI在霓虹灯下拥抱真实。四个品牌，四种答案，却都做了一件事：不再试图取悦所有人，而是诚实地成为自己。明年早春，下一站又会是哪里？我们拭目以待。
京公网安备11010202000001号
